L'expressionnisme, un art cinématographique
Dans un décor soigné et sous le commissariat de Maximilian Letze, directeur de l'Institut für Kulturaustausch de Tübingen, la Fondation Canal présente dans ses locaux madrilènes l'exposition « Expressionnisme, un art cinématographique », qui bat déjà des records de fréquentation auprès d'un public avide de sensations fortes.
C'est au cours des premières décennies du XXe siècle que l'expressionnisme est apparu en Allemagne comme un mouvement révolutionnaire qui a transformé les arts plastiques, fusionnant les disciplines pour créer une expérience esthétique et émotionnelle unique. Dans un contexte marqué par le traumatisme de la Première Guerre mondiale, les tensions sociales et l'industrialisation, le mouvement expressionniste s'éloigne de la représentation objective de la réalité pour se concentrer sur l'expression des émotions et le monde intérieur de ses créateurs. Pour y parvenir, les artistes ont utilisé des couleurs intenses, des formes déformées et des perspectives tordues, des éléments qui, au-delà de leur fonction esthétique, manifestaient le sentiment collectif d'inquiétude existentielle qui traversait la société européenne de l'époque.
Au sein de ce mouvement, le cinéma expressionniste trouve un nouveau cadre esthétique en établissant un dialogue intime avec les arts plastiques, se rapprochant ainsi de l'idéal romantique du gesamkunstwerk ou « œuvre d'art totale », un type d'œuvre qui intègre tous les arts. Des films emblématiques du cinéma expressionniste tels que « Le cabinet du docteur Caligari » (Robert Wiene, 1920), considéré comme le manifeste du genre ; « Nosferatu, une symphonie de l'horreur » (F. W. Murnau, 1921) ou « Metropolis » (Fritz Lang, 1927), se distinguent par leurs décors obliques, leurs contrastes lumineux et leurs intrigues chargées de symbolisme. Ces œuvres partageaient l'esthétique d'artistes tels qu'Ernst Ludwig Kirchner, Otto Dix, Käthe Kollwitz, Emil Nolde, Max Beckmann, Franz Marc et Paula Modersohn-Becker, ainsi que celle des deux principaux mouvements expressionnistes : « Die Brücke » (Le Pont), fondé à Dresde en 1905, et « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier bleu), né à Munich en 1911, dont les coups de pinceau expressifs et les figures déformées reflétaient des thèmes liés à la névrose et à la critique sociale.
L'exposition met en évidence la relation étroite entre le cinéma et l'art expressionnistes. À travers un dialogue entre une sélection rigoureuse de tableaux, dessins, estampes et sculptures et les films les plus représentatifs du mouvement, elle invite les visiteurs à se plonger dans un imaginaire à la fois inquiétant et fascinant, et explore des thèmes tels que la lutte entre modernité et tradition ou le traumatisme d'après-guerre dans l'Europe de l'entre-deux-guerres. Bien que la montée du nazisme et l'exil forcé de nombreux représentants de ce mouvement aient marqué le déclin de l'expressionnisme allemand, son héritage a laissé une empreinte indélébile sur l'art contemporain et sur des artistes tels que Jean-Michel Basquiat ou des cinéastes tels que Tim Burton ou David Lynch, récemment décédé, démontrant comment, en temps de crise, l'art et le cinéma reflètent la condition humaine avec un impact qui résonne encore aujourd'hui.
Les créateurs de cette époque critiquaient la bourgeoisie, la caricaturant comme superficielle et hédoniste, tout en dépeignant l'ouvrier comme une victime de la mécanisation et des nouvelles valeurs bourgeoises. Par exemple, dans le film de Murnau « Le Dernier » (1924), un vieux portier d'un hôtel luxueux de Berlin est rétrogradé au rang de valet de salle de bain en raison de son âge avancé. Dans « Metropolis », les ouvriers vivent dans un ghetto souterrain, où ils font fonctionner des machines dans des conditions oppressantes, tandis que l'élite bourgeoise mène une vie luxueuse à la surface. L'expressionnisme manifestait une fascination pour l'exotisme et les espaces éloignés de la haute culture traditionnelle, tels que le cirque et les foires, qui étaient considérés comme des expressions de résistance et de précarité.
D'autre part, en accord avec les théories de la psychanalyse, l'expressionnisme soutenait que le psychique dépasse le rationnel. L'inconscient, les rêves et les pulsions refoulées ont émergé dans des récits qui semblaient illustrer les théories de Sigmund Freud. Ainsi, l'art s'est orienté vers l'exploration de l'inconscient, tandis que le cinéma projetait des traumatismes et des fantômes collectifs à travers des images cauchemardesques.
La femme occupe une place centrale dans cet univers. Dans une Allemagne en pleine mutation sociale, avec l'accès des femmes au vote, à l'éducation et à la sphère publique, l'expressionnisme comptait dans ses rangs des peintres remarquables telles que Kollwitz et Modersohn-Becker, déjà citées, ainsi que la grande scénariste Thea von Harbou. Cependant, dans la représentation artistique, la femme continuait d'apparaître comme une figure ambivalente : fragile et victime, mais aussi objet de désir ou de menace. Son iconographie oscillait donc entre « la femme fragile », innocente et dominée, « la femme fatale », indépendante et séductrice, et « la mère en deuil », symbole de sacrifice et de deuil.
En résumé, une exposition qui ne laisse aucun visiteur indifférent et dont l'organisation et le montage ont été rendus possibles grâce à la triple collaboration entre la Fondation Canal, la Friedrich Murnau de Wiesbaden et l'Institut für Kulturaustausch de Tübingen.