CaixaForum Sevilla accueille un siècle d'art et de nature : du paradis à l'inquiétude

Art et nature. Un siècle de biomorphisme propose un parcours à travers l'art du XXe siècle et du début du XXIe siècle à travers un dialogue fructueux entre différents langages créatifs autour de l'art et de la nature. L'exposition reflète les préoccupations actuelles en matière d'environnement. 

Conçue par le Centre Pompidou et la Fondation « la Caixa », elle permet une nouvelle approche des grands artistes de la modernité, tels que Picasso, Miró, Kandinsky, Le Corbusier, Max Ernst, Raoul Hausmann, Jean Arp, Georgia O'Keeffe ou Alvar Aalto, en dialogue avec des artistes des dernières décennies qui ont apporté de nouveaux points de vue engagés, tels que Jeremy Deller, Neri Oxman, John Gerrard ou Trevor Yeung. 

À cette occasion, la Fondation « la Caixa » s'associe à nouveau au Centre Pompidou, institution de référence en matière d'art moderne et contemporain, pour présenter au public sévillan 71 chefs-d'œuvre qui mettent en évidence le dialogue entre l'art et la nature dans la création artistique. Les XXe et XXIe siècles sont le point de départ pour repenser nos liens actuels avec le monde des êtres vivants, alors que notre monde est secoué par de multiples crises. 

Après son passage dans les centres du réseau CaixaForum à Barcelone, Madrid, Saragosse et Valence, cette exposition a déjà été vue par plus de 275 000 personnes. 

Les formes de la nature ont fasciné les artistes de toutes les époques, qui ont reconnu dans les animaux et les plantes la beauté et le mystère, la force et l'harmonie de la vie. Au cours du premier tiers du XXe siècle, cette fascination a pris un nouveau sens grâce au développement des techniques de photographie microscopique, qui ont révélé une dimension de la vie jusqu'alors invisible. 

C'est ainsi qu'est née une esthétique fascinante basée sur la biologie des micro-organismes. Photographes, artistes, architectes et designers ont élaboré de nouvelles façons d'observer et de montrer la nature. Une feuille de fougère, une cascade, le fond marin... étaient présentés dans des compositions presque abstraites comme des formes pures, plus proches de l'idée que de la matière. 

Dans la seconde moitié du XXe siècle, les plantes, les forêts et les paysages ont commencé à faire partie de l'œuvre et des mouvements tels que l'arte povera italienne ou le land art américain, qui créent avec des éléments naturels, ont vu le jour. L'ensemble des formes et des visions de la nature dans l'art du XXe siècle offre un spectacle inépuisable que cette exposition recense largement. 

D'un art contemplatif à un art actif

Ces dernières années, les nouvelles technologies scientifiques et la biotechnologie ont fait irruption dans la création artistique pour faire émerger de nouvelles formes d'écologie politique et sociale. Les artistes créent des œuvres à partir de biomatériaux ou de matières organiques et travaillent avec des processus naturels pour créer des œuvres d'art conceptuelles qui évoluent comme des organismes vivants. Leurs œuvres font écho aux problèmes environnementaux et à la nécessité de préserver notre environnement. 

Art et nature. Un siècle de biomorphisme offre l'occasion de réfléchir sur le passé et le présent de la relation entre l'art et la nature, entre la culture et la science, à partir des riches collections du Centre Pompidou. 

L'exposition présente une sélection de premier ordre d'œuvres du siècle dernier issues de toutes les disciplines, peinture, sculpture, photographie, architecture, cinéma et design, parmi lesquelles figurent des noms tels que Pablo Picasso, Joan Miró, Raoul Hausmann, Vasily Kandinsky, Le Corbusier, Alvar Aalto, Alberto Giacometti, Jean Arp, Alexander Calder, Georgia O'Keeffe, Max Ernst et Giuseppe Penone, parmi tant d'autres, avec une présence importante d'artistes des dernières décennies qui ont apporté de nouveaux points de vue engagés, comme Neri Oxman ou Jeremy Deller.

En effet, l'exposition présentée au CaixaForum Sevilla comprend de nouvelles œuvres issues de la collection du Centre Pompidou, qui seront visibles pour la première fois dans le cadre de cette exposition. C'est le cas, par exemple, des trois peintures de Joan Miró exposées et des œuvres de John Gerrard (Petro National) ou Trevor Yeung (Suspended Mr. Cuddles), récemment acquises. 

Pourquoi le biomorphisme ?

L'Art nouveau, le modernisme, le style moderne et le style liberty ont mis les formes naturelles au premier plan. En Espagne, l'exemple d'Antoni Gaudí, qui a utilisé des formes végétales, animales et géologiques dans ses projets d'architecture et de décoration, est particulièrement remarquable. Mais c'est dans les années 1920 et 1930 que l'on assiste à un véritable boom des formes naturelles dans l'art, l'architecture et le design.

L'exposition commence vers 1920. L'apparition des formes organiques a donné naissance au concept de biomorphisme. Il a été introduit par Alfred H. Barr, premier directeur du MoMA, lors d'une exposition consacrée à l'art abstrait en 1936 afin de différencier les œuvres qui ne correspondaient pas aux caractéristiques de l'art abstrait et géométrique de l'époque. 

L'exposition s'articule autour de quatre thèmes chronologiques et thématiques : métamorphose, mimétisme, création et menace. Elle commence avec les artistes surréalistes et se poursuit jusqu'à aujourd'hui, où les artistes repensent leur relation avec l'environnement, menacé par de multiples crises. 

Dans chaque espace, un dialogue chronologique et thématique s'établit, permettant d'établir de multiples connexions. Il s'agit d'une exposition pluridisciplinaire, qui s'inspire des propres collections du Centre Pompidou. La peinture et la sculpture côtoient la photographie, le cinéma et le design. Le dialogue entre les différentes disciplines transforme notre perception des œuvres et crée de nouvelles significations. 

Métamorphose

Une sculpture en bronze d'Henri Laurens, Métamorphose, de 1940, et un tableau de Georgia O'Keeffee (Stria rouge, jaune et noire) de 1924, accueillent les visiteurs. La métamorphose des hommes en plantes et en animaux est un thème présent dans toutes les cultures, avec un poids important dans l'Antiquité gréco-latine. 

Dans l'art moderne, la métamorphose implique l'hybridation des formes végétales, animales et humaines en fonction de leur apparence ou de leur structure. D'autres fois, la métamorphose a un aspect fluide et apaisant, comme dans l'œuvre d'O'Keeffe. Tout comme Laurens, O'Keffee crée des formes qui expriment le dynamisme et la transformation, et qui symbolisent la capacité de l'art moderne à transformer notre conscience des choses. 

Julio González est un autre grand sculpteur présent dans l'exposition. Dans Cactus II, de 1939, les catégories du naturel et du culturel, du matériel et du spirituel s'effacent. 

Des œuvres d'Yves Tanguy et de Max Ernst des années 1940 et 1950 sont associées à un film du réalisateur néo-zélandais Len Lye, Tusalava, de 1929, qui montre un jeu de formes organiques. 

L'exposition accorde une place importante à la contribution des femmes artistes, comme Georgia O'Keeffe, dont une peinture de 1924, Red, yellow and black streak [Strie rouge, jaune et noire], est présentée. Dans l'œuvre d'O'Keeffe, nous sortons du corps féminin et les formes anthropomorphiques se projettent dans la nature. 

Pour terminer, quelques œuvres énigmatiques : Ubu IV, peinture de Le Corbusier de 1940, inspirée du personnage d'Alfred Jarry ; Jour de lenteur, d'Yves Tanguy, de 1937, qui explore le paysage intérieur ; Les trois cyprès, de 1951, peinture de Max Ernst dans laquelle les visiteurs retrouveront la forme anthropomorphique : l'être humain transformé en un arbre impossible. 

Femmes fleurs

Un groupe d'œuvres traite de la transfiguration du corps humain en fleur. Laurens sculpte un être qui se transforme en forme anthropomorphique dans Femme fleur, de 1942. On remarque également Le chapeau à fleurs, de 1940, de Picasso, où l'on assiste à l'hybridation entre la femme et le chapeau à fleurs. Femme au chapeau, de 1935, efface les frontières entre le naturel et l'artificiel, le végétal et l'humain. La fleur représente la beauté, mais aussi le sexe, la fertilité, par exemple dans Femme-fleur, de 1984, une œuvre tardive de Brassaï réalisée en marbre rose.

L'œuvre de Léon Tutundjian, Composition cellulaire au cercle rouge, de 1927, introduit un registre où le corps de la femme suggère des formes arrondies, végétales. Dans Torse-fruit, de 1960/1967, Jean Arp revient sur la comparaison entre la femme et le fruit (ou la fleur) sous un angle nouveau. 

L'un des attraits de cette section est la possibilité de contempler la sculpture d'Arp à côté de l'univers sensuel des photographies de nus féminins de Raoul Hausmann, de 1930-1934. Hausmann a réalisé une partie importante de son œuvre à Ibiza, à l'époque où l'île était découverte par les artistes internationaux. Le corps de la femme, allongé sur la plage, devient une sculpture abstraite. 

Mimétisme

Cette section examine la fascination des artistes pour les formes naturelles qui les amène à les intégrer dans leurs œuvres. 

D'autres fois, c'est la structure, la forme et les principes qui régissent le mouvement des animaux et des plantes qui sont imités, comme dans l'œuvre d'Alexander Calder Four Leaves and Three Petals [Quatre feuilles et trois pétales], de 1939, où les formes créées par l'artiste bougent comme les éléments du monde réel. L'exposition présente deux pièces de l'architecte Alvar Aalto : la chaise Paimio 41, de 1930, et Flowers [Fleurs], de 1940, des œuvres créatives qui s'inspirent de la simplicité et de la beauté du monde végétal. 

Le design joue un rôle important dans ce domaine. Patrick Jouin a conçu une lampe en forme de fleur en 2010, tandis que Ross Lovegrove a créé en 2007 une table inspirée de la forme des feuilles du ginkgo (Ginkgo biloba), un arbre auquel on attribue des qualités médicinales et spirituelles. Andrew Kudless (2012) réalise une structure à partir de la forme d'une colonie de balanes. 

Une dernière section est consacrée au monde géologique avec une œuvre d'Alberto Magnelli sur les pierres et la terre, et une œuvre de Jean Dubuffet de 1961 qui recrée la texture de la terre. Le photographe Paul Nash immortalise également des cascades et des parois rocheuses. 

Pour finir, une œuvre de Simone Forti : deux films de 1974, une vidéo avec deux grands grizzlis en cage et une deuxième vidéo dans laquelle Forti s'inspire des mouvements de ces mêmes ours pour créer une chorégraphie. 

Nouvelle objectivité

La photographie occupe également une place importante dans cette section, avec les œuvres de Raoul Hausmann, dont deux photographies de 1931 sont exposées. 

Un autre photographe important, lié au mouvement de la Nouvelle Objectivité qui s'est imposé en Europe au tournant des années 1920 et 1930, est Albert Renger-Patzsch, avec une photo d'une Sempreviva de 1928 présentée comme une forme naturelle de nature sculpturale. 

Vasily Kandinsky est un artiste très bien représenté dans les collections du Centre Pompidou. L'exposition présente une œuvre des années 1930 qui correspond à la période de son séjour à Paris. Trente [Trente], de 1937, est un chef-d'œuvre de la collection du Centre Pompidou.

André Steiner photographie l'œil d'un poisson comme une nature morte. Cela s'inscrit dans la lignée du film d'avant-garde de László Moholy-Nagy de 1936 sur la vie du homard. Cette immersion dans le monde des formes marines se termine par deux dessins à l'oxyde de poulpes de l'artiste marseillais Hervé Paraponaris, datant de 1993, d'une grande sensualité et d'une grande beauté.

Création

Une œuvre de Frantisek Kupka datant de 1919-1923 montre la croissance des pistils et des étamines : la création à partir des formes organiques des fleurs. Dans ce cas, la fleur est présentée sous un ensemble de formes ayant une existence autonome. 

Après ce prologue, l'exposition nous plonge dans le monde moderne des années 60 et 70, qui explore de nouveaux aspects de la relation entre nature et art. 

Le film de Robert Smithson Spiral Jetty [Jetty en spirale], de 1970, nous transmet l'idée de la genèse continue des formes de la nature. Dans Pelle di cedro [Peau de cèdre], une œuvre de la Collection d'art de la Fondation « la Caixa » de 2002-2003, Giuseppe Penone introduit la dimension tactile avec une œuvre qui ressemble à un bas-relief, où les veines s'enfoncent dans la matière, comme les veines d'une main, mais émergent légèrement de la peau. Il y évoque l'idée de la vitalité intrinsèque de la matière. 

L'artiste israélienne Neri Oxman réalise ses œuvres à partir de réseaux organiques et de structures cellulaires. Dans « Doppelgänger » Wing Series (2012), elle crée une forme qui peut être un masque animal ou des ailes. Dans ses maquettes, Alisa Andrasek travaille à partir de matériaux bioniques produits à partir de matières biologiques traitées avec des outils numériques afin de créer des formes architecturales inspirées du monde organique. 

L'exposition comprend également une installation audiovisuelle de l'artiste anglais Jeremy Deller, Exodus [Exode], de 2012. Il s'agit d'une installation tridimensionnelle basée sur deux vidéoprojecteurs qui nous permettent de voir des chauves-souris hibernant et se reproduisant dans une caverne ; à la fin, elles sortent de la grotte et s'envolent. L'œuvre de Deller reflète la peur du danger que nous avons aujourd'hui face à un nouveau virus, à partir de l'idée que le COVID-19 a été initialement transmis par des chauves-souris. 

L'éphémère et l'artificiel

L'art des années 60 et 70 introduit la dimension de l'éphémère. L'œuvre de Jeroen de Rijke et Willem de Rooij Bouquet III [Bouquet III], de 2004, examine sous un angle inédit le symbolisme des fleurs en les mettant en relation avec les formes de violence contemporaines. 

En associant la participation néerlandaise à la deuxième guerre du Golfe à un bouquet éblouissant d'une beauté éphémère, les artistes en font un symbole des promesses vaines, purement décoratives. 

Correspondances : Penone, Graindorge et les arbres

L'arte povera italienne intègre des éléments de la nature dans une approche conceptuelle. C'est le cas de l'œuvre mentionnée Pelle di cedro [Peau de cèdre], qui établit un lien révélateur avec le banc conçu par Benjamin Graindorge en 2011 : à une extrémité, il repose sur le sol grâce à ses branches ; à l'autre extrémité, on trouve le bois poli : le corps naturel se transforme en objet manufacturé. De nombreux autres artistes, comme Richard Deacon, ont été fascinés par la plasticité et la beauté du bois, matière à création infinie. 

Menace

La quatrième section est plus courte que les précédentes. Elle exprime la peur de la nature ou plutôt la peur de l'effet de l'activité humaine sur la nature, qui est en danger. L'exposition aborde ainsi le domaine de l'environnement.

On peut y voir le projet audiovisuel Petro National, de John Gerrard, composé de 196 œuvres représentant les contours de différents pays sous la forme d'une tache de pétrole qui évolue à la surface de la mer. Dans le cas de l'œuvre présentée, il s'agit du contour du Nigeria. Elle invite à réfléchir sur l'impact écologique de la géopolitique et sur la répartition des richesses et du pouvoir. 25 % des bénéfices tirés de la vente des œuvres sont reversés à la lutte contre le changement climatique.

Dans le même registre de l'impact environnemental, l'œuvre de Trevor Yeung, Suspended Mr. Cuddles, reflète de manière poétique l'impuissance humaine face aux forces de la nature : un pachira, connu sous le nom d'« arbre à argent », est suspendu horizontalement à l'aide de sangles, dans une posture tendue et impressionnante, sous le regard stupéfait du spectateur.

Propositions de médiation avec un regard scientifique et des activités multidisciplinaires 

Les expositions de la Fondation « la Caixa » encouragent la participation du public. C'est pourquoi elles s'accompagnent toujours d'un projet de médiation qui permet de développer les concepts abordés dans l'exposition.

Dans le cas de « Art et nature. Un siècle de biomorphisme », le projet de médiation vise à renforcer les liens entre culture et science, et a été développé en collaboration avec l'équipe scientifique de la Fondation « la Caixa ».

Ainsi, les concepts présentés dans chacun des domaines sous leur forme artistique sont reflétés sur les écrans interactifs dans leur version naturelle : la métamorphose que nous voyions dans les sculptures d'Arp ou dans les peintures de Picasso, nous la voyons maintenant dans le passage d'une chrysalide à un papillon. Ou encore, le mimétisme de Kandinsky avec les vers marins trouve un écho dans le camouflage d'un insecte bâton. 

Pour élargir le regard porté sur l'exposition, le cycle de réflexion Art et (Post)Nature aura lieu à partir du 22 mai. De l'impressionnisme à l'Anthropocène, un voyage à travers l'histoire des relations entre l'art et la nature, depuis les premiers pas de l'impressionnisme jusqu'à l'ère de l'Anthropocène. Organisée par l'historien de l'art et professeur à l'Université de Barcelone (UB) Daniel López del Rincón, chaque session représente une étape différente de ce parcours, explorant la manière dont les artistes ont interprété et réimaginé cette connexion au fil du temps.

De plus, le 30 mai, la DJ et compositrice de musique électronique Cora Novoa débarquera au CaixaForum Sevilla pour présenter The Eternal Circle, une performance hybride avec des synthétiseurs modulaires accompagnés des visuels de l'artiste madrilène Tirador. Avec le public, ils voyageront à travers l'immensité de la matière, de l'énergie, de l'espace et du temps, à travers des textures, des harmonies et des sons expérimentaux, en lien avec la nature. 

Tout au long des mois que durera l'exposition, des ateliers familiaux, un cycle de Pequeños cinéfilos (Petits cinéphiles), des visites commentées et un menu thématique seront proposés. Toutes les activités peuvent être consultées ici. 

Entre Ruinas, l'art face à la crise planétaire à CaixaForum+ 

La plateforme en ligne gratuite CaixaForum+ a lancé la série documentaire Entre ruinas. Arte para un planeta herido (Entre les ruines. L'art pour une planète blessée), dans laquelle des artistes de différentes disciplines réfléchissent à des stratégies possibles pour changer notre façon d'habiter le monde, en mettant l'accent sur la pratique artistique. Au cours de trois épisodes de 30 minutes, la série donne la parole à un groupe varié d'artistes et de collectifs artistiques qui nous font découvrir leurs propositions face à cette crise.